Уже второй год ОМКФ проходит как зрительский фестиваль, то есть судьбу первого места в конкурсе определяет зритель своими оценками. В принципе я лично против этого, считая, что все на свете должны делать профессионалы. Организаторы фестиваля, в свою очередь, утверждают, что кино снимается для зрителя, поэтому зрительский конкурс определяет, насколько хорошо кино отвечает его потребностям. Это-то правильно, вот только эти потребности должны являться предметом исследования киноведов, а не решать судьбу фильма, за которым стоит целая команда снявших его специалистов.

Иногда мнение зрителей совпадает с мнением жюри, иногда нет. Что в принципе тоже ни о чем не говорит. У жюри могут быть свои соображения, и они тоже не всегда идеальны. Однако поиграем и мы в такую игру, поставим собственные оценки тому, что видели. Не все фильмы, о которых будем говорить, вошли в конкурсную программу. Есть те, о которых хочется что-то сказать, несмотря на то, что они из параллельных программ, которыми изобиловал фестиваль, и зрителями не оценивались.

Но это не важно, игра есть игра. Это ж не по-правдашнему, а понарошку.

Кино, господа!

ИГРА В ПРАВДУ (что соответствует и нашей задумке). Внеконкурсная, российская программа.

Первым фильмом первого рабочего дня фестиваля явился «Игра в правду» Виктора Шамирова, Россия. Его же фильм «Упражнения в прекрасном» побывал на ОМКФ-2011, и потому можно делать выводы о режиссере в целом.

Чтобы не начать за здравие, а кончить за упокой, начну сразу с заупокоя. Виктор Шамиров замечательный театральный режиссер и гениальный переносчик спектакля на видеоноситель. Переносится спектакль скрупулезно, тютелька в тютельку, без всяких потерь своей театральной идентификации.

Актеры преувеличенно громко говорят по телефону, тем самым выделяя этот фрагмент речи из общей беседы, причем, как в театре, звук доносится только с одной стороны, хотя кино позволяет смонтировать обоих разговаривающих, а выделение фрагмента речи в кино производится с помощью направления камеры, а не звуком. Диалоги в фильме непрерывны, нет свойственных кино перебивок, не применяется киноязык. Актеры играют «на зрителя», в кадре все располагаются лицом к камере, в мизансцене все тоже двигаются лицом к зрителю. Даже шумы записаны как в театре, а именно: человек уходит, и мы слышим его топот за кадром. В кино это не нужно, потому что в кино все приближеннее к реальности, и можно показать человека выходящим в дверь, а потом идущим по улице. В театре это невозможно, потому актер, уходящий в кулису, громко топает, чтобы показать, что он действительно ушел, а не спрятался за занавесом.

Градус актерской игры превышает тот, что принят в кино, под руководством своего режиссера актеры явно «пережимают». Одна Ирина Апексимова играет хорошо, убедительно, сдержанно, но и тут имеется недочет в выборе актрисы. До появления героини в кадре трое мужских персонажей демонстрируют свою былую влюбленность в нее, рассказывают друг другу, что на курсе института не было студента, который не был бы влюблен в Майю. Однако Апексимова с ее худеньким телом подростка, неизменной короткой стрижкой, психофизически скорее Гаврош, а не Лолита, так что не убеждайте меня, в том, что она всех в себя влюбила. Таким образом, возникает еще одна «неправда», еще одна условность. На экране типаж актера иногда играет большую роль, чем его умение создать образ. И подбирать этот типаж нужно тщательно.

Тут вам не театр!

Итак, как театру – «пятерка», как кино – «двойка».

ВЛЮБИТЬСЯ ДО СМЕРТИ. США. Режиссер Фредерик Бонд.

Здесь авторы наоборот, настолько увлеклись киноформой, что забыли о содержании. Всякие приемы, трюки, наезды, отъезды камеры чередуются с головокружительной быстротой. Герой фильма с первого взгляда так влюбляется в красивую девушку, что за эту возникшую, в общем-то, на пустом месте любовь (он не настолько ее знает, чтоб головой рисковать) готов отдать свою жизнь. Влюбился точно до смерти, потому что девушка, проведя с ним пару-тройку ночей, признавшись во взаимной неуемной страсти, хладнокровно стреляет в своего любимого без особых к тому причин. Однако любовь творит чудеса, и он оживает после того, как, будучи убитым, еще и в воде тонул. А любимую, конечно же, прощает, ну убила его, подумаешь мелочи какие. Авторы попытались спеть нам песнь о безумной любви, показать, как благородные чувства привели героя на грань сумасшествия. Перенести известного героя средневековой арабской саги «Безумный Меджнун» в наш контекст, в наше время. Но, поскольку авторы не доказали нам, что девушка такого сумасшествия достойна, то герой как-то не выглядит безрассудным в результате нахлынувшего чувства, скорее его безумство имеет клинические корни.

У него есть мама-покойница, которая в нужную минуту появляется с того света, чтоб руководить сыном, но при этом совершает ряд ошибок, приведших сына к смертельным приключениям. Сожалений об этом не испытывает.

Один из журналистов на пресс-конференции сказал, что фильм его просто порадовал узнаванием, встречей со старыми друзьями. Встреча со старыми друзьями из плохих американских боевиков, это конечно хорошо, но только тогда, когда эти друзья не надоели тебе именно досмерти.

Кстати, ожившие покойники на экране уже превысили количество живых. К потустороннему миру, его подсказкам в сюжете прибегают все, кто не может сочинить сюжет самостоятельно. Нынче сценаристу сюжет двигают экстрасенсы и ходячие мертвецы. Очень удобно. Вместо того, чтобы напрягать мозги и искать мотивировки действий героя, достаточно появиться в кадре покойной маме и сказать, езжай туда-то. Хотя надо заметить, что мама в этом фильме единственный персонаж, вызывающий симпатию своим добродушием и легким характером. А так же, как актриса. То есть покойница живее всех живых.

Из щекотливой ситуации, в которую поставило авторов фильма их детище, они могли бы выйти очень изящно. Назвать свое кинематографическое дитя пародией и все стало бы на свои места. Но авторы просто не догадались до такого весьма остроумного хода, потому что, как известно, хорошая мысля приходит опосля.

Да и то не им.

Твердая «двойка».

ЛАНЧБОКС. Индия. Режиссер Ритеш Батра.

Один из лучших фильмов конкурсной программы. Тонкий, изящный, изысканный, смотреть одно наслаждение.

В фильме завязывается заочный роман между молодой девушкой и пожилым мужчиной. Назначено первое свидание, и зритель успокаивается, судьба героев явно складывается удачно. Тем не менее, мужчина, придя в бар и увидев девушку, так и не решается к ней подойти. Этому предшествует эпизод, когда герой входит в свою ванную, чтобы что-то поправить в одежде. И все. Вроде бы ничего не произошло, но после он пишет любимой письмо, в котором признается, что, войдя в свою ванную, он почувствовал запах – запах старика. Так пахнул когда-то его дед.

«Я и запах старика, а вы так молоды».

Запах – тонкая субстанция, которую, конечно, невозможно прямо показать в кино, а потому ее, как правило, и не обыгрывают. А вот индийский режиссер Ритеш Батра не только обыграл, но и сделал ее ключевой, поворотной деталью в отношениях героев. Очень изящное решение.

Вторая находка фильма – роль тетушки героини Илы. На протяжении всего фильма Ила общается со своей теткой через окно. Мы слышим ее голос, но так и не увидим тети. Она останется за кадром. В фильме присутствует только ее голос. Поэтому Ила еще более одинока, чем кажется на первый взгляд. Ее муж не общается с ней, любимый отказывается знакомиться, а тетку она слышит только через окно. Драма разыгрывается на фоне перенаселенного Мумбая. Драма Илы в одиночестве, драма города в том, что он перенаселен людьми равнодушными друг к другу.

В первых кадрах фильма мы видим электричку, во всех дверях которой висят люди, как грозди пчел на улье. От этого кадра уже рождается тревожное чувство. Нас становится слишком много и чем больше нас на земле, тем, как ни странно, отчужденнее мы, потому что дружба уже не ценится, мы хотим не дружбы, мы ищем для себя свободное пространство.

Авторы фильма показывают нам не только личную жизнь героев, но и проблемы Индии в целом, которая враз из тихой мирной жизни 80-ых через дефолт 92-го года, сделала скачок в современность, перенаселение, автоматизацию и омеханичивание личной жизни. Развитие цивилизации нивелировало личность, все смотрят одни и те же программы по ТВ, пользуются одинаковыми айподами, все «едут в одной электричке». Поэтому индийское кино последних лет от привычных для нас красочных фильмов с танцами, пением и хэппи-ендом перешло к показу индивидуальностей на экране, пытаясь утвердить в обществе личностные ценности, показывая, как важна и уникальна отдельно взятая личность.

Ритеш Батра получил на ОМКФ приз за лучшую режиссуру. И это правильно.

Поставим и мы твердую «пятерку».

БУДУЩЕЕ. Чили, Германия, Испания, Италия. Режиссер Алисия Шерсон.

Двое подростков, брат и сестра, остаются сиротами, но отказываются от помощи государства, чтобы не расставаться. Они попадают под влияние двух злоумышленников, подсовывающих девочку старому слепому киноактеру, чтобы она разведала, где находится сейф с деньгами. Слепого играет Рудгер Хауэр. Великолепно играет. Вот он ее раздел, и одним движением забрасывает себе на плечо, как гладиатор, как вождь, влекущий в вигвам свою добычу.

Не видя ее, он ее любит. Но одна фраза приводит к потере любимой, она спрашивает, любишь ли ты меня, он отвечает, я скучаю по Долли. Мы все-таки думаем, что слепой актер любит героиню, но одна случайная необдуманная фраза стоит и ему и ей этой любви. Как часто происходит такое в жизни…

Фильм получил приз «Золотая рельса» у себя на родине, в Чили.

И мы поставим ему «пятерку».

НЕ ХОЧУ УМИРАТЬ. Одесса. Режиссер Алиса Павловская. Отдельная украинская конкурсная программа.

На глас, взывающий со спины молодого героя, где он написан на куртке, хочется воскликнуть, так не умирай, чувак! Не бухай, не нюхай, что не надо – и не умрешь, мля… Все в твоих руках, старик! Проблем-то нет. Есть опустившийся певец, таскающий чужую холодную картошку со сковородки на коммунальной кухне. Есть его компания странных, неприкаянных людей, по сути фриков, и есть только одна проблема в этом фильме – отсутствие сценария и режиссуры. А также киноязыка. А также подтекстов, которые так вкусно и интересно расшифровывать, когда имеешь дело с мастером. Фильм снят как песня чукчи – что вижу, то пою. А вижу только грязь.

В фильмах 60-ых годов в кино человек искал смысл жизни. Сейчас мы видим поиски бессмыслицы, ну чтоб еще такое тупое и бессмысленное показать.

Зал был полон. Героями фильма, наверное. Иначе, почему бы он вызвал такое воодушевление? Один из восторгающихся зрителей так и сказал, это про нас. Мы тут все снялись. Он, правда, имел в виду, что в фильме снимались не профессиональные актеры, а, как и было заявлено в анонсе, герои одесского андерграунда. Вот про себя они и смотрели. И пришли в восторг. Второй сказал – гениально, это напоминает Киру Муратову. Маленьких кир муратовых, работающих под нее, уже развелось столько, что впору новое течение в кино объявлять – «кироэпигонизм». Напустить в кадре туману, найти очередную помойку, заставить персонажей произносить каждую фразу по три раза с одной и той же интонацией и готово – очередное гениальное кироэпигоническое произведение выйдет на экран. Только, в отличие от оригинала, лишенное тончайшего киномастерства и смысла.

Эпатаж снимать легче легкого, он всегда впечатляет. Кстати, впечатляют также способности кинодоктора по кардиограмме, которую он вытаскивает из аппарата, определить потерю героем голоса. Прямо Ванга какая-то.

Результат – «двойка».

ПЧЕЛКА. Италия, Франция.

Режиссерский дебют итальянской актрисы Валерии Голино. «Пчелка» – кодовое имя главной героини фильма. Она занимается тем, что вводит обреченным больным смертельную дозу барбитурата, таким образом совершая эвтаназию и зарабатывая на этом большие деньги. Однажды она приходит к новому клиенту, и оказывается, что он вовсе не болен, а просто хочет свести счеты с жизнью, разочаровавшись в ней. Главная героиня делает все возможное, чтобы помешать этому человеку. И напрасно, он ушел из жизни куда худшим, более болезненным способом, нежелательным для него. Исполнив якобы долг перед ним, проявив милосердие, она толкает его на жестокий способ свести счеты с жизнью. Ее милосердие оборачивается трусостью и нежеланием брать на себя ответственность. Как отличить грань ответственности и милосердия от права распоряжаться чужой жизнью?

«Они все хотят жить, но не считают жизнью свой способ существования», – говорит героиня.

На мой взгляд, это был один из двух лучших фильмов (также «В цвету», грузинский) конкурсной программы, потому, что даже при желании придраться, в нем не было заметно ошибок. В отличие от победителя фестивального конкурса «Географ глобус пропил», в котором есть и эклектика, и промахи по темпоритму, и общая затянутость. В то время как «Пчелка» абсолютно точна по всем этим параметрам. Все идеально выверено и отмерено. С яркого эпизода началась, вовремя закончилась, нигде ничего не провисает, не ослабевает. То есть, на мой взгляд, «Пчелка» явно выигрывает у «Глобуса». А вот зрители посчитали, что наоборот. Просто им история неудачника и выпивохи ближе, чем моральные терзания героини, и это понятно. Им-то терзания зачем?

«О златоустом блатаре рыдай, Россия! Какое время на дворе – таков мессия».

Ну, а «Пчелке» в нашей игре…

Определенно «пятерка»!

ДОМЕСТИК. В прокате «Люди и звери». Румыния. Режиссер Адриан Ситару.

Артдиректор фестиваля Алик Шпилюк рассказал журналистам, что румынское кино находится на подъеме. Но, то ли «Доместик» к этому кино слабо относится, то ли этот фильм отборочная комиссия взяла на фестиваль только из любви к животным. Потому что на нечто «приподнятое» этот фильм никак не тянет. Более того, производит впечатление некоей киносамодеятельности. Мы наблюдаем дом, в котором его обитатели проявляют разное отношение к братьям нашим меньшим. Кто-то пытается сдать в приют чужую собаку, чтоб она ему глаза на лестнице не мозолила, кто-то, наоборот, находит в своей кошке единственную отраду.

Весь фильм снят на крупных планах, что ничем не оправданно, мизансцены статичны, эпизоды, снятые с одной точки, длятся по 15 минут экранного времени, то есть, рассказываемая история сама по себе, а кино как искусство с четко определенными средствами выражения – само по себе. В первом эпизоде девочка 12 лет решает вопрос, за сколько леев она сможет зарезать курицу, которую ее папа зарезать не в состоянии. Папа-то не в состоянии, но за 50 леев очаровательное дитя превозмогло себя и кухонным ножом откромсало бедной курице голову, залив ванную кровью. Видимо, авторы сначала думали снимать кино в стиле сюрреализма, но потом почему-то с этой платформы съехали. То ли пороху не хватило, то ли животных пожалели. Второй детский персонаж в фильме проявляет, наоборот, любовь ко всему живому, в частности, голубю. По роли проявляет. А на пресс-конференции нежный мальчик на вопрос, за сколько леев ты смог бы зарезать курицу, ответил, что за 200, пожалуй, смог бы. На мое замечание, что резать глотку живому невинному существу вообще-то нельзя ни за какие деньги, дитя ответило снисходительной улыбкой. Что-то оно поняло в этой жизни, что мне еще осталось недоступным.

В целом, авторы, несмотря на кровавый эпизод с курицей, явно старались привить зрителю гуманизм и любовь к братьям нашим меньшим. Но, кроме отсутствия кинопроизводственных навыков, главной ошибкой, главным просчетом авторов фильма является то, что трое животных в этом фильме – собака, кошка и голубь никак не персонифицированы, не индивидуализированы. Зритель не вовлекается в историю сопереживания этим животным, потому что они проходят в сюжете фоном, о них рассказывается, но сами себя они никак не проявляют. Потому и весь фильм оставляет зрителя холодным, что редко бывает с фильмами о животных.

Еле-еле на «тройку».

Да и то, тройка натянута только потому, что автор этих строк тоже сочувствует животным, вынужденным жить рядом с человеком.

В ЦВЕТУ. Грузия, Германия, Франция. Режиссеры Нана Эвктимишвили и Симон Гросс.

Чудесная картина. Действие происходит в Грузии в 1992 году. Нет света, керосина, хлеба. СССР рухнул. Все так сложно и непонятно. И на этом непрочном фоне развивается история молодой любви, начинающейся жизни, пока еще «в цвету», но уже стоящей перед сложным моральным выбором, который несет молодым людям взрослое бытие.

За исполнение главных ролей, Натии и Эки, две очаровательные грузинские девочки, показавшие нам историю своего взросления, Лика Баблуани и Мариам Бокерия были удостоены главного приза фестиваля «За лучшую актерскую роль».

Кульминацию фильма я ощутила в сцене танца Эки, когда она танцует перед собравшимися на праздник людьми, сосредоточенно, углубленно в себя, юная, но взрослая грузинка. Танец длится минут 8, наверное, однако от девочки, выражающей телом свое «я», в котором мы видим и эту маленькую личность, и весь народ в целом, оторваться невозможно.

Фильм, наверное, самый «мультимодальный» в программе. То есть, действие развивается не по примитивной прямой, а ответвляется в разные стороны, тем не менее, не отвлекаясь ни на минуту от сюжетной основы.

Безусловная «пятерка» и актрисам и фильму в целом.

АВТОИНСПЕКЦИЯ. Польша. Режиссер Войтек Смажовский.

Оооо! Эмоции захлестывают! И меня и героев. Наверное, польское кино тоже, как и румынское, находится «на подъеме», то есть, в состоянии эрекции. Главное, что я вынесла из этого фильма, это то, что у поляков чисто русское слово из трех букв, ну понимаете, тот самый, который на «х» начинается, на «й» заканчивается, произносится фонетически точно также. Только если в русском языке некоторые наши люди произносят его «для связки слов», то в данном фильме поляки заменили им все остальные слова, которые вяло отыгрывают роль смысловых подпорок. Чтоб хоть как-то понимать, о чем речь идет. А речь идет о замысловатом сюжете, отнюдь не новом, сто раз проигранном в американских боевиках, но еще вполне жизнеспособном. Вот только манеру рассказать эту историю авторы нашли довольно странную. Через половой акт. Надо понимать – метафора. Вероятно, авторы хотели сказать, что современная Польша – это затраханная, гребанная страна. Или, скажем, Польша чудесная страна, но именно автоинспекция в ней почему-то затраханная и гребанная. Половыми актами и матом картина переполнена настолько, что где-то на половине я, очень дисциплинированный товарищ, как правило, досматривающая любую белиберду до конца, все-таки вышла. И как мне рассказали коллеги, пропустила кульминацию фильма. Эпизод, когда героиня герою нечаянно, при броске автомобиля, откусывает член. Но поскольку в эрегированном состоянии, мужской член, представляющий собой круглую, полую мышцу, состоящую из множества мышечных волокон, наполненную кровью, так просто откусить невозможно, то, глядя данный эпизод, я бы все равно, как Станиславский, воскликнула бы: «Не верю!». Так что я ничего не потеряла.

Очень твердая «единица».

ОРЛЫ. В оригинале «Ястребы и трупы». Израиль. Режиссер Дрор Сабо.

Вначале сюжет этого фильма разыгрывался в пяти сериях телевизонного кино и был очень популярен в Израиле, даже среди молодежи, хотя вроде бы современную молодежь осуждает. Затем режиссер решил снять по сериалу короткий фильм с теми же актерами. «Реут» – это слово на иврите означает боевое братство, основанное на крови. Два молодых человека, побратавшиеся кровью на войне 1948 года, любят одну и ту же женщину. Но отказываются от нее, чтобы не потерять дружбу. И все-таки неизбежное происходит, Тамара рожает дочь от одного из них, и на всю жизнь прячется в одном из домов Тель-Авива для того, чтобы второй ничего не узнал, и «реут» двоих – не пострадал бы. Эта тема любовного треугольника не нова, но ее можно было бы сделать более трогательной, если бы героиня родила от совершенно постороннего человека, и тогда, вместо банального треугольника, образовался бы четырехугольник, а Тамара заточила себя, чтобы не травмировать обоих, с кем также делила тяготы войны.

Итак, с ястребами понятно, это фронтовики. А откуда в современном Тель-Авиве трупы? Дело в том, что любовная история – это одна составляющая фильма, во второй основной, конфликт завязывается между стариками, бывшими военными, и современной молодежью, которая, по их мнению, «предала идеалы отцов» и только и знает, что гулять и развлекаться. И они начинают методично убивать тех, кто ведет себя неадекватно их старым понятиям.

Режиссер Дрор Сабо сказал, что тема неприкаянности в мирной жизни бывших военных, это не только проблема Израиля. Но и всех бывших ветеранов, афганцев, тех, кто пришел с чеченской войны, всех тех, кто юным ушел воевать, и, вернувшись морально искалеченным, не может принять мирную жизнь.

Это еще и тема одиноких стариков, которых никто не замечает, потому что они свое дело сделали, отжили, и никому не нужны, а они еще так хотят быть кому-то полезными.

Двух стариков играют замечательные актеры, но, в общем, за фильм «тройка», потому что сюжет давал куда большие возможности развернуться–  и детективный компонент подключить, и психологию острее разработать, чтобы захватить зрителя, но авторы этой возможностью не воспользовались.

ПРОСТЫЕ СЛОЖНОСТИ НИКО ФИШЕРА. Германия. Режиссер Ян Оле Герштер.

Да, нет у него никаких сложностей. Сам себе голову морочит. Правильно папа молодому отпрыску говорит, иди, работай или учись, только не живи, как птичка певчая, без трудов и без забот. Фильм скучный и унылый, как Среднерусская равнина, куда глазом ни кинь, даже кочки не возвышается. Ни тебе открытий психологических, ни завязок драматургических. Все предсказуемо и бледно.

Тоже «тройка». Почему не «двойка»? А потому что выдающихся провалов в этом фильме тоже нет.

ГЕОГРАФ ГЛОБУС ПРОПИЛ. Россия. Режиссер Александр Велединский.

Этот фильм отхватил сразу две награды: от Большого жюри и первое место по голосованию зрителей. И это не случайность. И вовсе не потому, что зрители столь профессиональны. Или жюри столь объективно. Думаю, что здесь большую роль сыграло то, что фильм российский, свой как бы, да и герой тоже свой в доску парень. Из пяти членов Большого жюри, четверо – наши люди. Бывшие или настоящие.

Фильм снят по книге Алексея Иванова с одноименным названием, и на сайте любителей литературы «библио» рекламировался таким образом: «По сути своей это – вечная книга о смысле нашего Бытия. Или одна из глав этой книги. Книги жизни, в которой, чаще всего, наше мировосприятие в итоге определяется нашим окружением. Но не так просто, как это было у классиков марксизма: «Бытие – определяет сознание!», а опосредованно, через призму человеческих отношений между одноклассниками, между учителем и учеником, между формальным и неформальным лидером в классе.

Книгу вполне можно было бы озаглавить «Герой нашего времени - 2». Что же это за герой? - спросите вы. Как это у Белинского: «А чем же он плох - смеем мы вас спросить?». Действительно, что в нем такого, что делает его антигероем?

Пьет много? А кто не пьет в России? (да и не только в России). Женщин молодых любит? Что бы он был за мужик, если бы не любил?»

То есть, такой герой в России больше, чем герой, и не вызвать симпатии не может.

Фильм явно разваливается на две части. Первая – это часть в городе, когда учитель, которого играет Константин Хабенский, устраивается на работу в школу не совсем по специальности, и вторая, собственно главная – поход по реке Каме.

Учитель - неудачник, выпивоха, безответственно напивающийся даже в походе по сложной пороговой реке, где он рискует жизнями своих учеников. Этакий легкий персонаж, не привыкший напрягаться.

Кого-то он здорово напоминает. А! Вот кого! «Аккатоне» - героя гениального фильма Пьера Паоло Пазолини. Аккатоне не имя, это прозвище молодого итальянца Витторио, и означает «бродяжка, нищий, сутенер», то есть очень интересная гамма человеческих ипостасей в одном лице. У пазолиниевского Аккатоне была семья, сынишка, но он катится вниз по наклонной плоскости, не желая ничего в жизни менять. У него, как и у Географа, нет в этом потребности. А, по сути, нет совести. Это нынче массовый персонаж современной европейской улицы. Аккатоне не просто герой фильма Пазолини, он – типичное явление в обществе, таких множество. Разрушающих семью, социальные связи… Витторио торгует телом возлюбленной, Географ этого никогда не сделает, зато пьет почем зря. Витторио – преступник. Географ мог стать преступником, если бы ученики, которых он бросил в походе, погибли бы. Ему просто повезло. Он – аккатоне российского менталитета. Такой себе Витторио в малом масштабе.

Итальянский фильм поражает, заставляет зрителя задуматься о природе таких людей, остро желать их социального выздоровления. Потому что Пазолини своего героя осуждает. Не прямо, а тонко, с помощью всех доступных ему средств. А Велединский любуется. Как же, пусть никчёма, но наш ведь. Мы к таким привыкли, он – порождение нашего столь любимого модуса вивенди. Притом Велединскому в его работе не хватает пазолиниевского размаха, вкуса, умения заострить грань социально-политических проблем, изобразить Россию так выпукло и остро, как это сделал Пазолини с Италией. Правда там, где в кадр врываются пейзажи, река, лес, в игру вступает могучая красота российской природы как самостоятельный компонент произведения.

В финале итальянского фильма Аккатоне гибнет. Ему нет места в нормальной жизни. Его бледная копия Географ делает вид, что гибнет, прячась за углом балкона, а потом весело оттуда выскакивает, чтобы зритель облегченно вздохнул. «Свой парень» не пострадал, вот он, и им можно продолжать восхищаться, его можно и дальше любить, снисходительно жалея.

На нашем фестивале таких персонажей-никчём было несколько. По сути, Нико Фишер тоже аккатоне. И опустившийся певец из одесского фильма «Не хочу умирать» тоже. Вот не хочет умирать, а сделать что-нибудь, чтоб не умереть, тоже не хочет. Душевная лень, отвращение к любому действию, приводящему к позитивному результату.

Но мало того, что образ Географа содран с пазолиниевского фильма (здесь режиссера упрекнуть нельзя, он был содран еще ранее, Алексеем Ивановым), мы имеем еще и чисто постановочные цитаты из других фильмов. Например, сцена, когда Географ и влюбленная в него ученица голышом греются после нечаянного купания в ледяной воде, повторяет эпизод из знаменитого призера Каннского фестиваля 1956 года «Сорок первый». Только в том фильме обнаженные герои сидели по обе стороны костра, стараясь не смотреть друг на друга, а у Велединского учитель прижимается сзади к своей ученице, чтоб у зрителя возникла пошленькая мысль, а ну-ка? Или все-таки сдержится?

Вот уж точно, история повторяется дважды, один раз как трагедия, а второй раз как фарс.

На мой взгляд, первое место на фестивале заслужил фильм «В цвету», но я не в жюри, а жюри это сила. У них право голосования. Ничего не поделаешь. А мы подведем свои итоги.

Итак, фильму «Географ глобус пропил» ставим «тройку».

Считаем баллы. Из 10 фильмов конкурсной программы, разобранных выше, четыре «пятерки», четыре «тройки», одна «двойка» и одна «единица».

В целом результат неважный. Значит ли это, что фестиваль провалился? Нет. Потому что фестиваль это не только конкурс. Большое значение имеют параллельные программы, они дают общее представление о состоянии кино в целом на сегодняшний день, и зрителю, в общем-то, не так уж и важно, кто взял первый приз, если они в соседнем зале смотрят хорошее кино.

А причины, по которым главная программа в этом году слабее, чем в прошлом, могут быть самые разные. От просто «мало хорошего сняли в этом году» до чисто технических причин, скажем более сильные фильмы не прошли еще фестивали первой тройки, Канны, Берлин, Венецию, и пока не пройдут, не могут быть задействованы в Одессе.

Два очень сильных фильма были показаны на открытии и закрытии. Это «Не угаснет надежда» – США, режиссер Джеффри Чендор с Робертом Редфордом в главной роли, и «Замок в Италии», снятый режиссером и актрисой Валерией Бруни-Тедески.

«Замок в Италии» участвовал в основной конкурсной программе Каннского кинофестиваля этого года. Настоящая классика по всем параметрам киноискусства.

Вот на такое кино и будем ориентироваться.

25 июля 2013 г.

На фото: Закрытие фестиваля